Il cinema asiatico sta vivendo uno dei momenti più entusiasmanti della sua storia — e no, non stiamo parlando solo della Corea del Sud. Certo, da Parasite di Bong Joon-ho in poi il mondo ha capito che Seul sa fare cinema con la C maiuscola, ma la vera notizia — quella che i cinefili più attenti già sussurrano tra una proiezione e l’altra — è che Giappone, Tailandia, Filippine e Indonesia stanno ridisegnando la mappa del cinema globale con una forza e una varietà che lasciano senza fiato. Nel 2026, con le piattaforme streaming sempre più affamate di contenuti originali e i grandi festival pronti a scommettere su nuovi talenti, il momento è adesso. Se non avete ancora esplorato davvero il cinema che viene dall’Asia, state perdendo alcune delle opere più vive, coraggiose e sorprendenti in circolazione.
Mettetevi comodi, perché il viaggio è lungo e merita ogni minuto.
Quando si parla di cinema asiatico si tende a fare di tutta l’erba un fascio, ma è un errore che i cinefili veri non si permettono. Sotto questa etichetta convivono tradizioni radicalmente diverse: il rigore formale del cinema giapponese, il surrealismo animista di quello tailandese, il realismo epico filippino, l’energia vulcanica del cinema indonesiano, la precisione narrativa del cinema coreano. Ognuna di queste cinematografie ha una storia, un’estetica e un rapporto con il proprio pubblico che meritano di essere conosciuti separatamente — e poi, magari, messi in dialogo.
Quello che le unisce, nel 2026, è una visibilità internazionale senza precedenti: festival, premi, acquisizioni streaming e co-produzioni regionali stanno creando un ecosistema in cui le idee circolano, i talenti si incontrano e il pubblico globale impara — finalmente — a fidarsi dei sottotitoli.
Sarebbe ingeneroso ignorare il ruolo di apripista che il cinema coreano ha avuto nell’ultimo decennio. La vittoria della Palma d’Oro a Cannes con Parasite, seguita dall’Oscar come Miglior Film, ha aperto una breccia enorme nella percezione occidentale del cinema asiatico: improvvisamente, i sottotitoli non erano più un ostacolo ma quasi un marchio di qualità. Le piattaforme di streaming hanno fiutato l’opportunità e hanno investito in modo massiccio — Netflix, Prime Video e Disney+ hanno tutti ampliato le loro biblioteche con contenuti asiatici, abituando il pubblico globale all’idea di guardare film e serie in lingue diverse dall’inglese.
Ma è proprio in questo solco che si stanno infilando, con intelligenza e talento, cinematografie che fino a pochi anni fa faticavano a trovare distribuzione al di fuori dei circuiti festivalieri. Il meccanismo è semplice quanto potente: quando il pubblico impara a fidarsi di un continente, diventa più curioso. E la curiosità, nel cinema, è tutto.
A questo si aggiunge un fattore generazionale non trascurabile: chi è cresciuto guardando anime in versione originale sottotitolata non ha nessun problema a guardare un thriller coreano o un dramma filippino nelle stesse condizioni. La barriera linguistica, per questa generazione, non esiste più.
La cinematografia giapponese non ha certo bisogno di presentazioni: da Kurosawa a Ozu, da Miyazaki a Kitano, il Giappone ha una tradizione che pochi paesi possono vantare. Ma quello che sorprende, nel panorama attuale, è la vitalità di una scena che non si accontenta di vivere di rendita.
Hirokazu Kore-eda rimane il nome più riconoscibile a livello internazionale: dopo Un affare di famiglia (Palma d’Oro a Cannes) e Broker (girato in Corea), il regista ha continuato a esplorare la fragilità dei legami familiari con uno sguardo che è al tempo stesso tenerissimo e chirurgicamente preciso. Il suo Monster, con sceneggiatura di Yuji Sakamoto e musiche di Ryuichi Sakamoto, ha vinto il Premio per la Migliore Sceneggiatura a Cannes, confermando che la sua voce è tra le più necessarie del cinema contemporaneo.
Accanto a lui, una generazione più giovane sta emergendo con forza. Ryusuke Hamaguchi, già autore del magnifico Drive My Car (Oscar al Miglior Film Internazionale), ha dimostrato che il cinema giapponese sa essere allo stesso tempo radicalmente locale e universalmente comprensibile. La sua capacità di far parlare i personaggi — di farli davvero dialogare, con quella qualità rara di chi sa che le parole rivelano e nascondono insieme — è qualcosa che il cinema mondiale fatica a eguagliare.
Non dimentichiamo poi il cinema d’animazione: con lo Studio Ghibli e la vittoria dell’Oscar a Il ragazzo e l’airone di Hayao Miyazaki, la supremazia nipponica nell’animazione d’autore è ribadita ancora una volta. Ma anche fuori da Ghibli, autori come Makoto Shinkai continuano ad attrarre pubblici enormi in tutto il mondo.
Impossibile parlare di cinema asiatico contemporaneo senza dedicare uno spazio adeguato alla Corea del Sud. Non perché sia l’unica cinematografia che conta — questo articolo esiste proprio per dimostrare il contrario — ma perché ha svolto un ruolo storico nell’aprire le porte del mercato globale a tutto il resto.
Bong Joon-ho, Park Chan-wook, Lee Chang-dong: tre autori, tre stili radicalmente diversi, un unico risultato — convincere il mondo che il cinema in lingua coreana poteva competere e vincere ai massimi livelli. Il successo di Parasite non è stato un caso isolato ma il punto di arrivo di un’industria che da decenni lavorava con rigore, ambizione e una capacità di mescolare generi — thriller, horror, dramma sociale, commedia nera — che pochi altri sistemi cinematografici possono vantare.
Nel 2026, il cinema coreano continua a essere uno dei più seguiti e discussi a livello internazionale, con nuovi autori che si affacciano sulla scena e un’industria seriale — le serie coreane, i cosiddetti K-drama — che ha conquistato pubblici in ogni angolo del pianeta.
Se c’è una cinematografia del cinema asiatico che negli ultimi anni ha sorpreso più di tutte, è quella tailandese. Non è una novità assoluta — Apichatpong Weerasethakul ha vinto la Palma d’Oro a Cannes con Lo zio Boonmee che si ricorda le vite precedenti — ma quello che sta succedendo oggi è qualcosa di diverso: non più un singolo autore isolato nel suo genio, ma un ecosistema cinematografico in crescita.
Il cinema tailandese ha una capacità particolare di mescolare il reale con il soprannaturale, il dramma sociale con l’horror, la commedia con la tragedia, in modi che sfidano qualsiasi categorizzazione. Questa fluidità di genere, che in Occidente spesso viene percepita come incoerenza, è in realtà una delle caratteristiche più affascinanti di questa cinematografia: riflette una cultura in cui il confine tra il mondo dei vivi e quello degli spiriti è molto più poroso che altrove.
Weerasethakul, che ha lavorato anche fuori dalla Tailandia (il suo Memoria, con Tilda Swinton, è una coproduzione internazionale), rimane un punto di riferimento imprescindibile. Ma accanto a lui stanno emergendo autori come Phuttiphong Aroonpheng, il cui Manta Ray aveva già attirato l’attenzione nel circuito festivaliero, e una nuova leva di registi che stanno portando il cinema tailandese verso territori inesplorati.
Le Filippine hanno una storia cinematografica ricchissima, spesso sottovalutata dal pubblico internazionale. Ma la presenza sempre più massiccia di film filippini nei principali festival mondiali — da Berlino a Toronto, da Venezia a Rotterdam — sta cambiando la percezione di questa cinematografia.
Il nome più citato è quello di Lav Diaz, maestro del cinema lento per eccellenza, capace di costruire epopee di quattro, sei, anche otto ore che esplorano la storia e i traumi della società filippina con una pazienza e una profondità straordinarie. I suoi film non sono per tutti — richiedono un tipo di attenzione che il cinema mainstream ha quasi dimenticato — ma chi riesce a sintonizzarsi sulla sua frequenza ne esce trasformato.
Accanto a Diaz, una generazione più giovane sta sperimentando con i generi in modi sorprendenti. Il cinema filippino sa fare horror con una specificità culturale che lo rende diverso da qualsiasi altro horror asiatico; sa raccontare la povertà urbana senza cadere nel pietismo; sa trovare nella commedia una forma di resistenza politica. È una cinematografia che ha molto da dire e sta imparando, sempre meglio, come farlo sentire.
Le piattaforme streaming stanno cominciando ad accorgersene: Netflix ha acquisito diversi film filippini per la distribuzione internazionale, e il fenomeno dei film in lingua locale che trovano pubblici globali è sempre più evidente anche per questa cinematografia.
Con oltre 270 milioni di abitanti e più di 17.000 isole, l’Indonesia è uno dei paesi più complessi e diversi del mondo. E il suo cinema, quando funziona, riesce a catturare qualcosa di questa complessità in modo che nessun’altra forma d’arte riesce a fare altrettanto bene.
Il cinema indonesiano ha avuto il suo momento di visibilità internazionale anche grazie a film d’azione come The Raid di Gareth Evans, che ha dimostrato che dall’Indonesia potevano arrivare film capaci di far impazzire il pubblico di tutto il mondo. Ma quella era solo la punta dell’iceberg.
Autori come Edwin (il regista di Vengeance Is Mine, All Others Pay Cash, vincitore del premio NETPAC a Berlino) stanno portando il cinema indonesiano verso territori molto più sperimentali, mescolando realismo magico, critica sociale e una sensibilità visiva che deve molto alla tradizione artistica locale. Le co-produzioni regionali stanno aumentando, con finanziamenti che arrivano da Singapore, dalla Corea, dall’Europa, permettendo a registi indonesiani di lavorare con budget più consistenti senza perdere la loro specificità culturale.
Una delle cose che rende il cinema asiatico così stimolante è la convivenza, spesso sotto lo stesso tetto produttivo, tra un cinema d’autore rigoroso e un cinema di genere di altissima qualità. Non si tratta di due mondi separati: in Asia, più che altrove, i confini tra arte e intrattenimento sono permeabili.
Pensate a Park Chan-wook: Oldboy è un thriller viscerale che ha fatto il giro del mondo, ma è anche un’opera formalmente impeccabile che dialoga con la tragedia greca. O a Bong Joon-ho, che in The Host ha costruito un monster movie che è al tempo stesso una feroce critica all’imperialismo americano. O ancora all’horror tailandese, capace di spaventare e di interrogare la coscienza collettiva nello stesso fotogramma.
Questa capacità di tenere insieme intrattenimento e profondità è forse il segreto più grande del cinema asiatico contemporaneo — e uno dei motivi per cui riesce ad attrarre pubblici così diversi tra loro.
Capire perché il cinema asiatico stia avendo questa visibilità globale proprio adesso richiede di guardare a due fenomeni paralleli che si alimentano a vicenda: i festival cinematografici e le piattaforme di streaming.
I grandi festival — Cannes, Venezia, Berlino, Toronto — hanno sempre avuto una sezione asiatica, ma negli ultimi anni la programmazione si è fatta più coraggiosa e più diversificata. Non si tratta più di inserire un film giapponese o tailandese come quota esotica, ma di riconoscere che alcune delle opere più interessanti e innovative del cinema contemporaneo vengono da questi paesi. Come documenta il sito ufficiale del Festival di Cannes, la selezione ufficiale degli ultimi anni ha visto una presenza asiatica sempre più significativa e variegata, con film provenienti da paesi che fino a poco tempo fa erano quasi assenti dalla competizione principale.
Lo streaming ha poi fatto qualcosa che i festival da soli non avrebbero potuto fare: ha portato questi film nelle case di milioni di persone. Netflix ha investito miliardi di dollari in contenuti asiatici, non solo coreani, e la tendenza è chiaramente quella di diversificare ulteriormente. Come riporta Variety nella sua sezione dedicata al cinema internazionale, le acquisizioni di film asiatici non coreani da parte delle grandi piattaforme sono in costante crescita, con un interesse particolare per le cinematografie di Giappone, Tailandia e Filippine.
Il doppiaggio e i sottotitoli, un tempo considerati barriere insormontabili per il pubblico occidentale, sono diventati quasi uno standard. La generazione che è cresciuta guardando anime in versione originale con sottotitoli non ha nessun problema a guardare un film tailandese o indonesiano nelle stesse condizioni.
Per chi vive in Italia, c’è un appuntamento che ogni cinefilo appassionato di cinema asiatico dovrebbe segnare in agenda: il Far East Film Festival di Udine. È uno dei festival europei più importanti dedicati al cinema popolare dell’Asia orientale — non il cinema d’autore da festival, ma quello che va in sala a Tokyo, Seoul, Hong Kong, Bangkok. Film di genere, blockbuster locali, horror, action, commedia romantica: tutto quello che il grande pubblico asiatico guarda e che raramente arriva nelle sale italiane.
Il FEFF è un osservatorio straordinario su cosa funziona davvero con il pubblico asiatico, e spesso anticipa tendenze che poi esplodono a livello globale. Se volete capire il cinema asiatico non solo nella sua dimensione d’autore ma anche nella sua vitalità popolare, Udine è il posto giusto.
Tanta scelta può disorientare. Se siete alle prime armi con il cinema asiatico e volete un punto d’ingresso che non spaventi ma convinca subito, ecco una selezione pensata per accompagnarvi nel viaggio senza buttarvi in acque troppo profonde fin dal primo tuffo.
C’è una domanda che vale la pena porsi: perché un film ambientato in un villaggio delle Filippine, o in una periferia di Bangkok, o in un quartiere di Tokyo, riesce a toccare qualcosa di profondo in uno spettatore europeo o americano che non ha mai visitato quei luoghi?
La risposta sta nel fatto che il cinema asiatico — quello migliore, quello che arriva ai festival e poi alle piattaforme — non ha paura di essere specifico. Non cerca di ammorbidire i propri angoli, di rendere le proprie storie più digeribili per un pubblico internazionale. E paradossalmente, è proprio questa specificità a renderlo universale: perché le emozioni fondamentali — la perdita, l’amore, la paura, la speranza, il senso di appartenenza — non hanno passaporto.
Kore-eda racconta famiglie giapponesi, ma parla di come l’amore possa sopravvivere anche quando le strutture crollano. Bong Joon-ho ambienta le sue storie in una Corea precisa e riconoscibile, ma la lotta di classe che racconta è universale quanto Shakespeare. Lav Diaz immerge lo spettatore nella storia delle Filippine, ma il peso della memoria e del trauma è qualcosa che ogni essere umano conosce.
È questo il vero segreto del cinema asiatico contemporaneo: non è esotico, non è lontano. È uno specchio — solo che riflette da un angolo che non avevate ancora considerato. E quando lo guardate davvero, vi riconoscete.
Con cinema asiatico si intende l’insieme delle produzioni cinematografiche provenienti dai paesi del continente asiatico. Le cinematografie più conosciute a livello internazionale sono quelle di Giappone, Corea del Sud, Cina, Hong Kong, Taiwan, Tailandia, Filippine e Indonesia, ma il termine copre un territorio vastissimo e culturalmente eterogeneo.
Il punto d’ingresso più accessibile per chi si avvicina per la prima volta al cinema asiatico è il cinema coreano: Parasite di Bong Joon-ho è un film che funziona su tutti i livelli, dal thriller puro alla critica sociale, ed è disponibile su tutte le principali piattaforme. Da lì, il passo verso il cinema giapponese, tailandese o filippino è molto più naturale.
Le piattaforme migliori per il cinema asiatico sono Netflix (forte su Corea e Giappone), MUBI (ideale per il cinema d’autore), Prime Video e Disney+. Per il cinema d’autore più ricercato, MUBI rimane la scelta d’elezione, con una rotazione continua di titoli provenienti da tutto il continente.
Assolutamente no. Il cinema asiatico abbraccia tutti i generi: action adrenalinico (The Raid), horror culturalmente specifico (The Wailing), commedia romantica, blockbuster di intrattenimento puro. Accanto ai capolavori d’autore convive un cinema popolare vivacissimo, che il Far East Film Festival di Udine porta ogni anno in Italia.
Il successo globale di Parasite agli Oscar ha rotto una barriera psicologica nei confronti dei sottotitoli e del cinema non anglofono. Le piattaforme streaming hanno poi amplificato questo effetto, investendo massicciamente in contenuti asiatici e abituando il pubblico globale a guardare film in lingue diverse dall’inglese. Il risultato è un interesse crescente per tutto il cinema asiatico, ben oltre la sola Corea del Sud.
Questo articolo è stato realizzato con il supporto dell'AI e sottoposto a revisione editoriale.
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