Remake migliori degli originali: esiste davvero questa razza rara?
I remake migliori degli originali sono una specie quasi in via d’estinzione nel cinema contemporaneo, eppure esistono, e quando li incontri capisci immediatamente perché fanno così male a chi difende l’originale a spada tratta. Mettetevi comodi, perché stiamo per smontare qualche certezza.
Il dibattito è antico quanto Hollywood stessa. Già negli anni Trenta gli studios americani riciclavano le proprie proprietà intellettuali con la stessa disinvoltura con cui oggi Netflix rinnova le serie di successo. La differenza è che allora nessuno si scandalizzava più di tanto: il cinema era industria, l’industria riutilizzava i materiali, punto. Oggi invece ogni annuncio di remake scatena un putiferio sui social, come se rifare un film fosse un atto di vandalismo culturale. Eppure — e qui sta il bello — la storia ci dice che a volte il rifacimento non solo eguaglia l’originale, ma lo supera in modo così netto da renderlo quasi un documento d’archivio.
La domanda vera, quella che vale la pena porsi, non è “perché fare un remake?” ma “cosa deve capire un regista per non fare un disastro?” Perché i disastri, quelli li conosciamo tutti. Ma i capolavori nati da un’altra opera? Quelli meritano un’analisi senza pietà.
La regola del tempo: quando l’originale invecchia e il remake no
Il primo fattore che separa un remake riuscito da uno inutile è quasi sempre il tempo. Non il tempo trascorso in senso banale — non basta aspettare vent’anni per avere il diritto di rimettere mano a qualcosa — ma il modo in cui quel tempo ha cambiato il contesto culturale intorno al materiale originale.
Prendiamo La mosca di David Cronenberg (1986), remake del film di Kurt Neumann del 1958. L’originale era un horror di serie B abbastanza godibile, con il suo bravo scienziato che si ritrova con la testa di una mosca. Funzionava per i parametri del cinema di fantascienza degli anni Cinquanta, ma oggi lo si guarda con affetto nostalgico, non con terrore. Cronenberg invece ha preso quello scheletro narrativo e ci ha costruito sopra qualcosa di completamente diverso: una metafora devastante sulla malattia, sulla trasformazione del corpo, sull’amore che sopravvive alla degradazione fisica. Nel 1986, con l’AIDS che stava cambiando la percezione collettiva del corpo e della malattia, quel film parlava a un’angoscia reale e diffusa. Jeff Goldblum e Geena Davis non stavano recitando in un horror di genere: stavano attraversando una tragedia greca in forma di body horror. Il risultato? Un film che su Rotten Tomatoes mantiene un punteggio critico che l’originale non ha mai nemmeno sfiorato e che continua a essere studiato nelle scuole di cinema come esempio di adattamento intelligente.
La lezione è chiara: Cronenberg non ha rifatto La mosca. Ha usato La mosca per dire qualcosa di urgente sul suo presente. Questo è il primo segreto dei remake migliori degli originali.
Quando la tecnologia apre porte che prima erano murate
C’è un secondo fattore che giustifica — e a volte rende inevitabile — il remake: il progresso tecnico che consente di realizzare cose semplicemente impossibili in precedenza. Attenzione però: la tecnologia da sola non salva nessuno. Quante versioni digitalmente perfette di storie mediocri abbiamo già dimenticato?
Il caso più eloquente rimane Il pianeta delle scimmie, ma non nel senso che pensate. Non stiamo parlando del remake di Tim Burton del 2001 — quello è un caso da manuale di cosa non fare — bensì del reboot firmato da Rupert Wyatt nel 2011, L’alba del pianeta delle scimmie, e soprattutto del suo seguito Apes Revolution (2014) di Matt Reeves. La trilogia del Pianeta delle Scimmie con Andy Serkis nei panni di Cesare ha utilizzato la performance capture digitale non come trucco spettacolare ma come strumento narrativo: permetteva di seguire un personaggio non umano con la stessa profondità psicologica di un protagonista in carne e ossa. L’originale del 1968 con Charlton Heston è un classico indiscutibile, ma il suo punto di vista è sempre quello dell’umano. La trilogia moderna ribalta completamente la prospettiva, e può farlo solo perché la tecnologia glielo consente. Risultato: tre film che emotivamente superano di gran lunga il materiale di partenza, con un Cesare che è diventato uno dei personaggi più complessi e amati del cinema di fantascienza del XXI secolo.
Il remake cross-culturale: quando cambiare paese cambia tutto
Un capitolo a parte meritano i remake che attraversano i confini geografici e culturali. Qui il discorso si fa ancora più interessante, perché spesso il materiale originale era già eccellente nel suo contesto, ma il trapianto in un’altra cultura lo trasforma in qualcosa di diverso e a volte superiore.
Il caso più dibattuto — e più istruttivo — è quello di The Departed di Martin Scorsese (2006), remake di Infernal Affairs degli hongkonghesi Andrew Lau e Alan Mak (2002). Ora, Infernal Affairs è un film straordinario: teso, elegante, con una struttura narrativa che funziona come un orologio svizzero. In Asia è considerato un capolavoro del genere poliziesco. Eppure Scorsese ha vinto l’Oscar con il suo remake, e non per ragioni puramente politiche o di opportunità. The Departed è un film più lungo, più caotico, più brutale — e queste caratteristiche, che in un’altra mano sarebbero difetti, diventano la sua identità. Scorsese ha ambientato la storia a Boston, ha immerso i personaggi in una cultura irlandese-americana specifica, ha lasciato che Jack Nicholson costruisse un villain di puro teatro. Il risultato è un film che parla di identità, di lealtà e di tradimento in modo diverso dall’originale, non migliore in senso assoluto, ma più adatto al suo contesto culturale e, per il pubblico occidentale, più accessibile emotivamente.
Questo è uno dei casi in cui il concetto di “migliore” va relativizzato: The Departed non è superiore a Infernal Affairs in modo universale, ma è superiore come opera cinematografica americana, e questo conta.
Cosa hanno capito questi registi che gli altri non sanno
Arriviamo al cuore della questione. Cosa distingue Cronenberg, Reeves, Scorsese da tutti quei registi che hanno trasformato opere amate in disastri dimenticabili? La risposta non è il talento, anche se il talento aiuta. È la filosofia di approccio.
I remake migliori degli originali condividono tutti una caratteristica fondamentale: il regista ha capito perché l’originale funzionava, non solo cosa conteneva. Sono due cose completamente diverse. Capire cosa contiene un film significa elencare i personaggi, la trama, le scene iconiche. Capire perché funziona significa identificare il nucleo emotivo, la tensione che lo anima, la domanda che pone allo spettatore. Solo partendo da lì si può costruire qualcosa di nuovo che non sia una fotocopia sbiadita.
Un altro esempio illuminante è True Grit dei fratelli Coen (2010), remake dell’omonimo western del 1969 con John Wayne. Il film originale è un classico hollywoodiano, Wayne vinse l’Oscar, ma è anche un film che oggi mostra la corda in certi tratti: la retorica dell’eroe solitario, il tono da avventura bonaria. I Coen hanno ripreso il romanzo di Charles Portis — la stessa fonte dell’originale — e ne hanno estratto qualcosa di completamente diverso: un western cupo, ironico, quasi beckettiano, in cui la protagonista Mattie Ross (Hailee Steinfeld, straordinaria) non è la spalla comica di un eroe maschio ma la vera forza motrice della storia. Il risultato è un film che critica e supera il suo predecessore non per cattiveria ma per intelligenza: i Coen hanno capito che il romanzo di Portis era più interessante del film del 1969, e hanno avuto il coraggio di dirlo con la macchina da presa.
I remake migliori degli originali nel panorama recente
Spostandoci verso il presente, il panorama è più complicato. L’industria produce remake a ritmo industriale, spesso per ragioni puramente commerciali — sfruttare una proprietà intellettuali nota riduce il rischio percepito degli studios — e il risultato è una media qualitativa deprimente. Eppure anche negli ultimi anni qualcosa di interessante è emerso.
Suspiria di Luca Guadagnino (2018) è forse il caso più polarizzante del decennio. Il film originale di Dario Argento (1977) è un’opera d’arte visiva irripetibile: colori saturati, musica dei Goblin che entra nel cervello e non esce più, un’estetica che ha definito l’horror italiano nel mondo. Guadagnino sapeva perfettamente che non poteva competere su quel terreno. Quindi ha cambiato terreno: ha ambientato la storia nella Berlino divisa degli anni Settanta, ha aggiunto strati politici e psicanalitici, ha trasformato il film in qualcosa di più lento, più cerebrale, più disturbante in modo diverso. Non è migliore del film di Argento — e Guadagnino probabilmente non ha mai preteso che lo fosse — ma è un’opera autonoma e coraggiosa che dimostra come si possa usare un materiale altrui per esprimere una visione personale. Il confronto tra le schede IMDb dei due film racconta molto su come le due opere siano percepite da pubblici diversi, con l’originale che mantiene un culto fedele e il remake che ha conquistato un pubblico critico completamente diverso.
Nel campo delle serie TV il discorso è ancora più articolato. The Office americano ha superato commercialmente e culturalmente la versione britannica di Ricky Gervais — che pure è un capolavoro — semplicemente perché ha avuto il tempo di sviluppare i personaggi in modo che la versione originale, più breve e più amara, non poteva permettersi. Michael Scott è diventato un’icona della cultura pop americana in modo che David Brent non ha mai raggiunto fuori dal Regno Unito. Questo non rende la versione americana migliore in assoluto, ma la rende più influente, e l’influenza è una forma di superiorità che conta.
La differenza tra rispetto e reverenza paralizzante
C’è un ultimo punto che vale la pena sottolineare, perché è quello che separa i remake riusciti da quelli falliti in modo più sottile. I registi che hanno realizzato remake migliori degli originali non erano reverenti verso il materiale di partenza: lo rispettavano, che è cosa diversa.
La reverenza paralizza. Ti porta a ricreare scena per scena, battuta per battuta, nel tentativo di non tradire l’originale — e il risultato è sempre un’opera inutile, perché perché dovrebbe esistere qualcosa che fa esattamente la stessa cosa già fatta meglio? Il rispetto invece ti permette di capire il valore di ciò che stai toccando, di identificare cosa non si può perdere e cosa invece è legato a un contesto superato, e di costruire qualcosa di nuovo che onora lo spirito dell’originale senza esserne schiavo.
Cronenberg rispettava La mosca come punto di partenza per parlare di paura corporea. I Coen rispettavano il romanzo di Portis come storia di determinazione femminile. Scorsese rispettava Infernal Affairs come meccanismo narrativo perfetto da reimpiantare in una cultura diversa. Nessuno di loro era lì per fare un omaggio. Erano lì per fare un film.
Conclusione: il remake come atto critico
In definitiva, i remake migliori degli originali non sono un’anomalia statistica né un colpo di fortuna: sono il risultato di un atto critico consapevole. Il regista che riesce nell’impresa ha letto l’originale come un critico prima ancora che come un cineasta, ha identificato cosa funzionava e perché, e ha avuto il coraggio — o l’incoscienza, che a volte è la stessa cosa — di portare quella comprensione in un territorio nuovo. È un processo raro, difficile, spesso incompreso al momento dell’uscita e rivalutato solo con il tempo. Ma quando riesce, produce qualcosa di straordinario: un film che non esiste nonostante il suo predecessore, ma grazie a esso. E questo, nel cinema come nella vita, è una forma di rispetto che vale più di qualsiasi fedeltà cieca.
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